‘Gravity’ (2013)

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“How dare you open a space man’s helmet
on an uncharted planet? My eyeballs could
have been sucked from their sockets!
[closes his helmet]
Buzz Lightyear, Disney’s ‘Toy Story’

 

“Sometimes you have to kind of die inside in
order to rise from your own ashes and
believe in yourself and love yourself to
become a new person.”
Gerard Way

 

“I have total recall.
I remember being born.
I remember being in the womb,
I remember being inside.
Coming out was great.”
Ray Bradbury

 

En esta ocasión, nos alejaremos del formato establecido con el cual iríamos desmenuzando por partes las cuestiones meramente técnicas y artísticas que Alfonso Cuarón y su equipo emplearon para crear ‘Gravity’, así que a partir de este momento empezaré a usar la primera persona para poder transmitirles mi experiencia con esta película que sin lugar a duda se convertirá en un parteaguas, y estoy seguro inspirará a toda una nueva generación de cineastas jóvenes a transgredir los paradigmas e innovar en el séptimo arte.

Mi fascinación por el espacio ha sido desde muy temprana edad una constante en mi vida, mis primeros recuerdos de una visita al cine son precisamente de ‘Alien’, que según recuentos de mi señora madre me tuvieron que meter de contrabando porque apenas rondaba por los 4 años de edad y sin embargo dicen que me porté muy bien ya que no grité ni hice los desfiguros propios de un crío aburrido y/o aterrado. Muchos años después cuando salió la primera versión en formato Beta, fue que pude ver “nuevamente” esa obra maestra de Ridley Scott y para sorpresa de mi madre, a quien le iba diciendo cómo se iba desenvolviendo cada escena y que iba a pasar en las secuencias siguientes, quedó asombrada porque no creía que en algún lugar de mi inconsciente hubieran quedado guardados tales detalles y a la edad en la cual fueron adquiridos.

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¿Hacia dónde voy con esto? Todos tenemos nuestro feedback, pedazos de información que conforman el cúmulo de nuestros recuerdos, las cosas que nos gustan, sonidos, olores, texturas; todos vibramos, la diferencia es que lo hacemos a diferentes frecuencias, con distintos estímulos. Que algo me guste no es sinónimo que será lo mismo que haga vibrar a mi vecino. Y por vibrar me refiero a lo que te toca hondo en el alma, lo que hace resurgir una emoción en particular. ‘Gravity’ de Alfonso Cuarón hizo que resonaran al únisono ‘2001: A Space Odyssey’ de Kubrick; relatos de Bradbury, Clarke y Asimov; ‘Buried’ de Rodrigo Cortés; ‘Jurassic Park’ de Steven Spielberg y ‘Solyaris’ de Tarkovsky (aquí es donde mi amigo y colega @CherchTheIrish me va a empezar a cobrar regalías por su post sobre ‘Gravity’)

“La historia de la cinta, que es básicamente la representación de un breve instante, se atiene siempre a lo esencial, a lo minimalista. No existen momentos de profundos razonamientos filosóficos ante la posibilidad del peligro, el espacio o la muerte, prefiriendo Cuarón, en lo que personalmente considero un gran acierto, aquellos diálogos instintivos y hasta cierto punto cursis, que cualquier persona tendría en un momento así…”

‘Gravity’ es impecable en todos sus componentes: fotografía, dirección de arte, sonido, efectos especiales, conversión a 3D, quizás el guión (que contiene los diálogos y la historia en sí) no es perfecto, hay que tomar ciertas consideraciones para lograr admirar esta obra maestra de Cuarón en todo su esplendor.

  • Las reglas son claras desde el inicio de la película, en el cual nos brindan un breve recordatorio de las condiciones en las cuales se desarrollará la historia

“At 372 miles above the Earth there is nothing to carry sound, no air pressure, no oxygen. Life in space is impossible.”

  • En los primeros 15 minutos ya sabemos que el personaje de Sandra Bullock es la típica novata cobarde que va a sobrevivir, y el personaje de George Clooney es el experimentado astronauta que se va a tener que sacrificar, no conozco a ningún judío polaco de apellido Kowalski que haya engañado a La Parca.
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Bullock y Clooney

  • ‘Gravity’ es una fábula contada en el espacio, la premisa es sencilla: no importa todo lo malo que pueda salir mal, el espíritu de lucha humano lo puede todo. Y la mayoría de las fábulas tiene un final feliz, a menos que seas el protagonista de alguno de los cuentos de Hans Christian Andersen. La tagline de la película es clara: “Don’t Let Go”.
  • No es un documental, sin embargo se agradece el nivel de realismo extremo, aunque se hayan tomado varias libertades y roto leyes de la física en el proceso de contar la historia, pero ninguna película es perfecta. O cómo Garrett Reisman (quien fuera astronauta de la NASA) escribiera en Quora:

“Yes, I could go on and on about all the things Gravity got wrong. If you put me in a Chinese spaceship, there is no way I would be able to figure out how to fly it home. An astronaut that took joy rides around the Hubble Telescope with a jet pack shouldn’t even bother coming home. And a debris field in low earth orbit would never take out geostationary communication satellites.

But who cares?

All of these inaccuracies were done to help advance the plot or to add drama to the film which is exactly the artistic license we should be willing to grant the filmmakers. This is entertainment, not a documentary…”

Sí aún están con la idea de ver un documental sobre el espacio, les recomiendo ´Destiny In Space’ de 1994, yo tuve oportunidad de verlo en una pantalla IMAX tipo domo y la experiencia fue en verdad abrumadora. Pero ‘Gravity’ no es un documental, que quede bien claro.

La conversión a 3D es la mejor balanceada que he visto, porque no abruma al espectador, sino que es un elemento más de los que emplea Cuarón para contar su historia, la profundidad que proporciona el formato en tercera dimensión, ayuda a envolvernos y a ponernos dentro del traje de la astronauta en los momentos en los cuales el punto de vista así lo requiere.

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La película tiene momentos muy poderosos, mismos que están desprovistos de diálogo y son narrados únicamente por las imágenes que Lubezki logra regalarnos a través de su lente: el primer momento, en el cual el personaje de Sandra Bullock se deshace de su traje de astronauta después de ingresar a la Estación Espacial Internacional y flotar en posición fetal gracias a la ingravidez; y el segundo, al final de la película que nos muestra cómo lucha el mismo personaje contra la gravedad para lograr incorporarse sobre la arena, después de haberse salvado.

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Y la mejor one liner es del personaje de George Clooney:

“Half of North America just lost their Facebook.”

Quien se lleva las palmas es Ed Harris, quien hace un trabajo de voice over simplemente fenomenal desde el Mission Control, quien me transmitió más emoción que Clooney y Bullock juntos. Recordemos que Harris hizo el papel de Gene Cranz en ‘Apollo 13’ de Ron Howard, y también el de John Glenn en ‘The Right Stuff’ de Philip Kaufman.

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Gene Cranz

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Ed Harris cómo Gene Cranz

Aquí es cuando me voy a permitir exponer los aspectos que no me gustaron de la película, los cuales son muy personales y están dictados por mi feedback:

Sí me queda claro que el enfoque y tratamiento ligeros que Cuarón imprimió en su historia, pero definitivamente ni Bullock ni Clooney me convencieron, la primera por falta de emotividad y el segundo por ser demasiado cool. Estás atrapado, tu vida está en juego y los ojos no me dicen nada, no me transmiten una emoción convincente de que estás jugándote el todo por todo, no te veo aferrándote a la vida con uñas y dientes, mientras luchas y le gritas a la Muerte: ¿¡ES TODO LO QUE TIENES, PERRA!?, para luego escupirle en la cara y aceptar que todo está perdido. Yo no lo vi con Bullock; quizás una actriz con mayor experiencia en este tipo de roles, cómo Naomi Watts o Laura Linney. Hasta pudieras pensar en una Jessica Chastain cómo mencionara @andrew_east

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El final en sí, en lo personal estoy acostumbrado a las historias con desenlaces más abiertos y/o que impliquen un sacrificio del personaje principal (no necesariamente ofrendando su propia vida), a la pura usanza de John Carpenter; no el final de princesas al estilo Disney, uno en el cual todos ríen y se abrazan al final y bailan alrededor de una fogata. No, gracias. Ya tenemos suficiente con ‘Star Wars’.

Cuando has abandonado toda esperanza, no te queda más que resignarte en paz o llorar y lamentarte por todo lo que dejaste de hacer en vida, la película aunque se trata de la inevitabilidad, estar muerto en vida después de perder a una hija en un accidente estúpido y sin sentido aparente, el aceptar que ya hiciste todo lo posible por salvarte pero te das cuenta de que te encuentras en un callejón sin salida y resuelves irte de la manera más pacífica posible, y de repente en una revelación decides que no todo está perdido y no vas a abandonar este plano existencial sin antes dar un último esfuerzo, y que tu renacimiento no será fácil y tu muerte tiene la posibilidad de convertirse en una salida más espectacular y dramática, para al final surgir de entre el fuego y el agua para decirle al mundo de que todavía no es tiempo de partir y que tu encuentro con tus seres queridos quienes se te adelantaron, sólo ha sido aplazado. Es el momento de adoptar la idea de estar vivo un día más y agradecer al karma por ello. Fin de la fábula.

Y no, no odio a Cuarón, es de los pocos afortunados que ha podido desmenuzar algunas técnicas del estilo del maestro Stanley Kubrick y eso ya es un gran logro por méritos propios; tampoco terminé odiando ‘Gravity’, coincido con quienes consideran que es un tercer acto continuo que dura 90 minutos, uno de ellos es @bernserker

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y recalco, no es una mala película, simplemente no me gustó el final. Sin embargo si tuviera que elegir mi cinta favorita de Alfonso Cuarón, definitivamente me quedaría con ‘Harry Potter & The Prisoner of Azkaban’. Y háganle cómo quieran, es mi feedback.

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@filmc3ption

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Siempre tendremos a ‘Casablanca’

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“Passion. It lies in all of us. Sleeping…
waiting… and though unwanted, unbidden,

it will stir… open its jaws and howl.
It speaks to us… guides us. Passion rules
us all. 
And we obey. What other
choice do we have? Passion is
the source of our finest moments.

The joy of love… the clarity of hatred…
the ecstasy of grief. It hurts sometimes
more than 
we can bear.
If we could live without passion,
maybe we’d know some kind of peace.
But we 
would be hollow.
Empty rooms, shuttered and dank.
Without passion, we’d be truly dead.”

~ Joss Whedon

“Right time, right place, right people equals
success. 
Wrong time, wrong place, wrong
people equals most of the real
human history.”

― Idries Shah, ‘Reflections’

Aunque la Premiere aconteció el Día de Acción de Gracias, para ser exactos el 26 de Noviembre de 1942, no fue sino hasta el 23 de Enero de 1943 que ‘Casablanca’ llegó a las salas de cine de manera generalizada en los Estados Unidos de Norteamérica. Las fuerzas aliadas habían logrado desembarcar en el puerto de Marruecos del mismo nombre en Noviembre de 1942 y en una estrategia para capitalizar el mensaje político del filme, los estudios Warner Brothers deciden adelantar el estreno y aprovechar toda la inercia posible del momento. ‘Casablanca’ nunca fue concebida para convertirse en el referente en el cual se convirtió, sólo era una apuesta fílmica que llevaba varios años en el tintero en forma de un libreto teatral, el cual sería adaptado cómo parte de la planeación de películas que se estrenarían en la primavera 1943.

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Entonces, ¿qué hizo tan especial a ‘Casablanca’? La respuesta es simple: todos y cada uno de los elementos y técnicas cinematográficos que la integran, así cómo el talento creativo de las personas involucradas en su realización, aunado a toda una serie de sucesos inesperados que lograron conjugarse en una sinergia casi perfecta que dio como resultado a una de las mejores obras del cine contemporáneo. Pero antes de seguir, tenemos que considerar varios antecedentes que sirvieron de génesis para ‘Casablanca’ y que impactaron de manera contundente la manera en la cual fue concebida.

Sin lugar a dudas, los estudios Warner Brothers no fueron los primeros ni los que más dinero recaudaban en la época de oro del cine, pero seguramente fueron los innovadores en cuanto al “counterprogramming”, al recurrir a temas y a tonos dentro de sus películas que no estaban siendo capitalizados por estudios más viejos y con mayor flujo de efectivo cómo Paramount y Universal, además fueron los mismos Jack y Sam Warner quienes apostaron por la adopción de nuevas tecnologías en sus procesos de filmación, cómo lo fueron la implementación del cine sonoro y el primer sistema rudimentario de 3D en la exhibición de sus películas.

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Era la época en la cual no existía el famoso Código Fílmico y ver en la pantalla grande referencias (no explícitas y sin censura) de ciertos temas tabú cómo son la prostitución, el uso de drogas, tabaco y alcohol, la infidelidad y la violencia hacia la mujer, era hasta cierto punto una práctica común en la industria del séptimo arte. La primera mitad de los años 30s sin lugar a dudas, estuvieron plagados de películas que hacían apología a la violencia y enaltecían la figura del bandolero o mafioso, interpretados por estrellas todavía producto de la gran depresión de los años 20s y de la prohibición del alcohol, no encontraron un nicho a partir de la implementación del Código Fílmico hacia la segunda mitad de la década de los 30s.

Estamos hablando de la época en la cual el “Studio System” fijaba la pauta para que toda la maquinaria bien aceitada, trabajara al unísono para traer a la vida las ideas de los grandes equipos de escritores que estaban en la nómina y cuya labor era crear historias de validez universal, dignas de ser convertidas en un conjunto ordenado de fotografías en movimiento.

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Los estudios Warner Brothers contaban con un joven productor llamado Hal B. Wallis, quien trabajaba de manera independiente en ese momento pero que había llegado a la industria de la mano de los hermanos Warner y sabía al derecho y al revés cómo operaba la fábrica de sueños. Wallis adquiere los derechos de una puesta en escena sin publicar titulada ‘Everybody Comes to Rick’s’ y es así cómo nace la idea de adaptarla en un guión que llevaría cómo título ‘Casablanca’. Era el segundo proyecto de Wallis con la Warner Brothers que realizaría bajo un contrato independiente, apenas era Enero de 1942 y Wallis tenía libertad casi absoluta y la última palabra para elegir a su talento creativo. Aunque la única opción de Wallis para interpretar a Rick Blaine siempre fue un actor todavía desconocido a finales de la década de los 30s, su nombre era Humphrey Bogart (únicamente había interpretado villanos con anterioridad), quien se convertiría en el digno sucesor de James Cagney cómo superestrella en la década de los 40s. Para interpretar a Ilsa Lund, la producción tuvo que recurrir a una extranjera casi desconocida, que llevaba por nombre Ingrid Bergman y quien llegó al set de ‘Casablanca’ en calidad de préstamo gracias a David O. Selznick, quien necesitaría a Olivia de Havilland para uno de sus proyectos, a manera de intercambio debido a los contratos de exclusividad que se manejaba antes durante la era del “Studio System”.

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Wallis tuvo que recurrir a su amigo Michael Curtiz para llevar la batuta de Director, ya que William Wyler no se encontraba disponible en ese momento. Curtiz es uno de los pilares de la época dorada del cine norteamericano, junto con Howard Hawks y John Ford. Es Michael Curtiz quien aceptaría el reto de ser el hábil malabarista que se encargaría (en palabras de Steven Spielberg) de “convertirse en el campo unificador” de todos los elementos humanos que intervendrían en la realización de ‘Casablanca’. A continuación podrán leer la transcripción de la sinopsis de la película, tal y cómo aparece en el material impreso incluido en la versión de 70 aniversario:

What makes a classic: Casablanca’s Timeless Touch

The Right Characters, The Right Story. A cynical American expatriate is forced to choose between the woman he loves and a noble cause. A beautiful Norwegian woman inspires a man dedicated to freedom, but loves a man beholden to no other. A Czech freedom fighter is caught in a lover’s triangle. And a smooth French official foils the Gestapo and restores idealism and commitment to a noble cause. All this, plus an exotic locale, top notch supporting players, crackling dialogue and an iconic score, creates the perfect balance of comedy, romance and suspense that is Casablanca.

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Al ser de origen Húngaro, Michael Curtiz conoció de primera mano las penurias de la gente que se convirtió en víctimas del holocausto Nazi y que no pudo escapar de la Europa ocupada por ejército Alemán. El mensaje político que va sutilmente disfrazado en el contexto histórico, en donde cada actor principal representa a una nación y posición específicos respecto a la guerra, en donde todos tienen la razón desde su punto de vista y cada quién tomará las decisiones que afectarán a alguien más, de manera irreversible y cruel.

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La música merece una mención especial, es Max Steiner quien construye a partir del tema central ‘As Times Goes By’ de Herman Hupfeld, la sinfonía empapada de melancolía que retrata la desesperanza y el dolor de Rick Blaine al perder a su amada. Aquí podrán disfrutar la secuencia completa y escuchar el tema:

Todos los elementos están balanceados, Michael Curtiz se encarga de que así suceda y se refleje en la pantalla. Los resultados están a la vista: no hay una sombra, actuación, diálogo, movimiento de cámara, vestuario o elemento de utilería que se encuentre fuera de proporción o de lugar, ‘Casablanca’ contó con el mejor talento disponible en la época y gracias a eso (sin pretenderlo), se convirtió en todo un fenómeno mundial que ha sobrevivido generaciones y aún en pleno siglo XXI sigue conmoviendo los corazones de toda persona que entra en contacto con su maravilloso mundo. La luz desaparece siempre que Rick e Ilsa están compartiendo un momento de intimidad, inclusive en la pista de baile las sombras se apoderan de los rostros de esta pareja de enamorados.

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Pero recordemos que es la historia de Rick Blaine, no es un relato alegre, sino el reflejo de un alma atormentada por el recuerdo de la mujer que lo abandonó. Y estamos hablando de una relación completamente atípica, de un amor pasional intenso y desenfrenado, alejado de los vicios contaminantes que conlleva la cotidianidad y la rutina. De un amor que no evoluciona más allá de una luna de miel perenne (en apariencia), en el cual se vive el día con día y no hay planes ni castillos en el aire construidos con promesas vacías. Para Rick Blaine, la verdadera prueba radica en decidir entre su felicidad al lado de Ilsa, o entre cumplir con su deber patriótico, aún y a cuesta de la posibilidad real de perder por segunda ocasión (y para siempre) a la única mujer que sacudió los cimientos de su existencia misma.

Aunque por fuera es el desalmado y cínico portador de una coraza impenetrable, el efímero e íntimo rencuentro con su amada convierte a Rick Blaine en un ser capaz de conmoverse y demostrar empatía hacia la desgracia ajena. Es ahí donde radica el verdadero poder que tiene Ilsa Lund sobre Rick, convertirlo en presa fácil de sus enemigos y rivales, un lujo que no se puede dar en el mundo en el cual se desenvuelve. En realidad, Rick Blaine tiene un alma tan noble que prefiere no usarla, por la sencilla razón de que no hay manos lo suficientemente grandes que puedan sujetar su corazón sin tirarlo al suelo. Para él, siempre será suficiente con el recuerdo de cuando conoció la verdadera felicidad junto a Ilsa (aunque haya sido breve), de la pasión incontenible que compartieron en ese cuarto de hotel en Paris. Rick sacrificaría esa vida y más, con tal de que Ilsa nunca se arrepienta de haber tomado la decisión equivocada aquella tarde lluviosa en la estación del tren. Para Rick, eso basta y sobra.

70 años, tres premios Oscar, una historia de amor y sacrificio para toda la eternidad, un legado. Nosotros… nosotros siempre podremos regresar a ‘Casablanca’.

 

@filmc3ption

‘The Dark Knight Rises’ (2012)

“Now, I think that I should have known that he was magic all along.
I did know it – but I should have guessed that it would be too much
to ask to grow old with and see our children grow up together. So
now, he is a legend when he would have preferred to be a man.”
Jacqueline Bouvier

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‘The Dark Knight Rises’ es la continuación de la historia, situada 8 años después de los eventos de la insuperable ‘The Dark Knight’ de 2008, en una Gotham City que recuerda a Harvey Dent elevado a la categoría de héroe, gracias a la historia y complicidad de Jim Gordon respecto a la culpabilidad fabricada de Batman cómo único responsable de la muerte del fiscal de distrito. Con elementos de las historias ‘Year One’, ‘Knightfall’, ‘No Man’s Land’, ‘Son of the Demon’ y ‘The Dark Knight Returns’, es creado un guión bastante ambicioso que retoma situaciones de los anteriores filmes y nos presenta personajes tanto de la continuidad original del cómic, como a nuevas encarnaciones de caracteres ya existentes pero reinterpretados bajo la muy personal óptica de los hermanos Christopher y Jonathan Nolan. El guión no es infalible, hay ideas y conceptos que se manejan de manera demasiado recurrente, quizás para convencernos de lo inevitable, del destino sellado e irrenunciable de Bruce Wayne cómo único portador del manto del murciélago. Las libertades y aparentes faltas de solidez en la lógica del guión, tienen cómo único propósito converger y hacer moverse a la historia en una sola dirección, aunque no se vea traducido en pantalla en escenas que funcionen al 100% todo el tiempo.

dark-knight-rises6No es una casualidad que en el universo DC, sea el propio Superman quien se refiera a Batman cómo el “hombre más peligroso del mundo”, Bruce Wayne es un simple mortal el cual ha llevado a su cuerpo y a su mente a sobrepasar las limitaciones humanas, no existe problema o situación para la cual El Caballero Nocturno no haya pensado en la solución para cualquier escenario posible. Motivado por un hambre insaciable de justicia, cuyo origen se remonta a la trágica noche en la cual sus padres pierden la vida a manos de Joe Chill, Bruce Wayne se vale de su propio dolor cómo combustible para combatir al crimen de Gotham City una noche a la vez. Ésta es la esencia que Christopher Nolan rescata y emplea magistralmente para darnos su versión de Batman. El trabajo de Nolan es tan acertado que nos hace olvidar a los puristas del cómic, todo el canon que hay detrás de la leyenda de El Hombre Murciélago a través de más de 70 años de historias publicadas desde que fuera concebido en 1939.

Ya existen libros que nos explican con lujo de detalle los innumerables recovecos y aristas respecto a Batman, lecturas obligadas cómo ‘El Resto es Silencio’ en donde se exploran las historias que definen a la leyenda, la historia detrás de su creación por Bob Kane y la evolución de El Caballero Nocturno a través de los años; ‘The Philosophy of Batman’ es un estudio serio que disecciona la psique de El Hombre Murciélago con un magistral acercamiento psiquiátrico, tanto de su conducta cómo de sus acciones y estado mental. Tampoco vamos a ocuparnos de las libertades creativas que se ha tomado Nolan en este viaje que dio inicio en 2005 y que en este 2012 llega a su fin.

chris-nolan-imax-camera-dark-knight-rises-500x332Christopher Nolan se hace acompañar nuevamente de su hermano Jonathan en el guión, de Hans Zimmer en la música, de Wally Pfister cómo cinefotógrafo, Lee Smith se encarga de la edición y Nathan Crowley cómo diseñador de producción, todos ellos han conformado la columna vertebral del grupo creativo responsable de la trilogía del Caballero de la Noche. Nolan ha sido fiel a su perspectiva y se ha preocupado por darle un mismo aspecto visual en las tres películas, no existe una discordancia entre los elementos que conforman el campo visual de la cámara durante la saga del murciélago. Las secuencias capturadas en la cinta de 70mm del formato IMAX son brutales, verdaderas obras de arte por si mismas, funcionan cada una por su cuenta y demuestran una vez más la capacidad de Nolan para planear y ejecutar las tomas que necesitará para contar la historia. El diseño de producción, la fotografía, edición y música están sublimes, todo resuena al mismo nivel armónico complementándose entre si para crear una experiencia audiovisual de una calidad sobresaliente.

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Los actores que repiten sus papeles, Christian Bale, Michael Caine, Morgan Freeman y Gary Oldman, junto a las nuevas adiciones al elenco, Anne Hathaway, Tom Hardy, Joseph Gordon-Levitt y Marion Cotillard, conforman el abanico interpretativo del cual Nolan puede echar mano para llevarnos hacia el desenlace de su trilogía. Aunque ‘The Dark Knight Rises’ no alcanza a su antecesora en cuanto a nivel de intensidad actoral se refiere (recordemos al Joker de Heath Ledger), logra convencer y no deja de asombrarme la manera en la cual Nolan obtiene las actuaciones suficientes para no sobre exponer a sus actores y darles el tiempo en pantalla absolutamente necesario para obtener las emociones que desea transmitir con el trabajo de su elenco. Hay dos cameos iguales de emocionantes, aunque uno de ellos se lleva las palmas debido a la sencillez con la cual se presenta, en un momento en el cual lo absurdo no siempre deja el camino al más cuerdo de los personajes. Aunque la actuación de Tom Hardy no es comparable con la de Heath Ledger en lo más mínimo, por tratarse de dos personajes totalmente distintos Bane y Joker respectivamente, no deja de ser menos interesante; Bane es la representación del mal en su manifestación física, una que está dispuesta a demolerte a puño limpio si es necesario o simplemente derrumbarte anímicamente y así lograr rendirte ante la inevitabilidad del fracaso; luchar cuerpo a cuerpo en contra de una montaña de músculos que no conoce el dolor no promete un desenlace agradable para el seguro perdedor. Respecto a Catwoman, no me terminó de convencer la actuación de Anne Hathaway, considero que no era la persona adecuada para el papel, lejos de considerar un error el enfoque de su interpretación cómo el interés amoroso de Batman, quizás cómo Selina Kyle pero no cómo Catwoman. No hubo química suficiente entre ellos.

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‘The Dark Knight Rises’ es la épica conclusión de la opera de Christopher Nolan, de la interpretación de Batman de manos de un director, escritor y visionario que no escatima recursos para proporcionarnos una sinfonía de imágenes en movimiento perfectamente diseñadas para llevarnos a través de un viaje inesperado de principio a fin. Concebida cómo una trilogía, el tercer y último acto cierra por completo el círculo y deja abierto uno nuevo. El concepto de que ‘El Caballero de la Noche Asciende’, es representado de diversas maneras durante el filme, unas muy sutiles y otras más explícitas, pero el significado final del título de la película es revelado en el último momento, haciendo que los primero seis minutos de ‘Batman Begins’ tomen sentido, en especial el diálogo entre un taimado Ra’s al Ghul y el inexperto Bruce Wayne, el cual me voy a permitir transcribir para mayor entendimiento:

Bruce Wayne: You’re vigilantes.

Henri Ducard: No, no, no. A vigilante is just a man lost in the scramble for his own gratification. He can be destroyed, or locked up. But if you make yourself more than just a man, if you devote yourself to an ideal, and if they can’t stop you, then you become something else entirely.

Bruce Wayne: Which is?

Henri Ducard: A legend, Mr. Wayne.

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El símbolo del murciélago es más grande que Bruce Wayne mismo y debe de perdurar y acompañar a la sociedad cómo un atisbo de esperanza ante el caos, para resurgir de entre las sombras y repartir justicia para quienes lo necesiten e inspirar a otros a seguir sus pasos. Yo bautizaría a la trilogía de Nolan con el nombre de ‘Legend of the Dark Knight’, por que la leyenda tiene que continuar, debe de ser contada las veces que sea necesario en especial para las generaciones que están por venir.

How can you move faster than possible, fight longer than possible without the most powerful impulse of the spirit: the fear of death.

@filmc3ption