‘Robocop’ (2014)

“Part of the inhumanity of the computer is that,
once it is competently programmed and working
smoothly, it is completely honest.”
Isaac Asimov

 

“To me the recognition of the audience is part
of the filmmaking process. When you make
a movie, it’s for them.”
Michel Hazanavicius

 

“If the only thing left of you was your smile
and your little finger, you’d still be more
of a man than anyone I’ve ever known.”
Vesper Lynd, ‘Casino Royale’ (2006)

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Tengo que confesar que le estuve dando muchas vueltas a este post, quizás para evitar convertirlo exclusivamente en un texto que le rinda pleitesía sin restricciones al Director de la ‘Robocop’ original de 1987, Paul Verhoeven; o para criticar negativamente todo lo que José Padilha (Director de esta remake de 2014)  dejó de hacer en comparación con Verhoeven; o en un ejercicio de comparación entre los anteriores trabajos de Padilha, específicamente sus dos películas de ‘Elite Squad’ (haciendo de lado los documentales). Trataré abordar de todo un poco para intentar ser lo más objetivo posible (aún y cuando me declaro todo un VerhoevenWhore) y fan from hell de la ‘Robocop’ original.

Hollywood se está quedando sin ideas frescas, está sufriendo una crisis de falta de imaginación cómo nunca antes se había visto: recurrir a conceptos ya probados, a ideas que funcionaron en un pasado para refrescarlas con efectos especiales y adaptaciones insulsas que nos han llenado de producciones fílmicas que no son más que pan con lo mismo y no aportan nada substancial a los personajes e historias originales en los cuales están basadas estas nuevas propuestas. Tenemos ejemplos claros de proyectos fallidos en ‘The Thing’ de 2011 (aunque es una precuela), ‘Total Recall’ de 2012, ‘Clash of the Titans’ de 2010, ‘Psycho’ de 1998, ‘Prometheus’ de 2012 (la precuela que no es precuela), ‘Planet of the Apes’ de 2001, por mencionar sólo algunas que se pudieran convertir en una lista casi interminable de fumbles.

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Desgraciadamente entre toda esta fiebre de remakes los aciertos han sido los menos: ‘Dredd’ (2012), ‘The Thing’ (1982), ‘The Fly’ (1986), ‘Scarface’ (1983) y ‘Rise of the Planet of the Apes’ (2011), por mencionar unas cuantas. Pero, ¿qué cualidades debe tener una remake para rebasar las expectativas de la versión original?, aquí unas cuantas particularidades que nos darán cómo resultado una remake exitosa:

  • Ser fiel al material primigenio, sin importar de qué ángulo se le mire, la nueva adaptación tiene que continuar representando la unidad básica del personaje y/o historia originales en cuestión.
  • Aportar elementos nuevos que enriquezcan al personaje y/o historia, considerando que todas las modificaciones y/o adaptaciones al material original están pensadas para funcionar cómo parte integral de una nueva propuesta.
  • Mantener la cohesión entre todos los componentes del proyecto, ya sea para apuntalar la mitología establecida por trabajos previos, o en su caso edificar una totalmente nueva (y que sea plausible).

Definitivamente hablar de ‘Robocop’ (1987) de Paul Verhoeven, sería desviarnos por completo del tema en cuestión, sin embargo aquí podremos admirar una de las secuencias mejor logradas de la película, obviamente extraída de la versión sin censura:

Robocop – The Unrated Demonstration of ED-209 in Action!

Cómo aquí no pretendemos encontrar el hilo negro, aquí les dejo un excelente texto en el cual comparan ambas versiones:

‘RoboCop’ vs. ‘RoboCop’: How the remake compares to the gory ’80s classic

No olvidemos que su fuerte de José Padilha son los documentales, tenemos ‘Bus 174’ (2002), ‘Garapa’ (2009) y ‘Secrets of the Tribe’ (2010), y con sus películas ‘Elite Squad’ (2007) y ‘Elite Squad: The Enemy Within’ (2010), este Director brasileño viene a ofrecernos su versión del policía parte hombre/parte máquina con ‘Robocop’ (2014) y con esto se zambulle en la jungla despiadada de Hollywood. Llenar los zapatos de Verhoeven e incursionar en un género con un targeting conformado por los asiduos a la Ciencia Ficción no ha sido tarea fácil para Padilha, con diversas críticas desde que fue anunciado cómo Director de esta remake, pasando por las fotos filtradas de la filmación en las cuales podíamos ver al personaje de Alex Murphy enfundado en una versión demasiado estilizada del traje de Robocop.

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Del score y la cinefotografía me voy a reservar el comentario al respecto, creo que en otros posts hemos hablado incesantemente acerca de las virtudes que debe tener la instrumentación en una película, así cómo de la moda de la shaky cam para filmarla. Simplemente no me gustó ninguna en absoluto. Creo que lo que sigue es emplear un sintetizador miniatura y una handycam de los 80s para hacer películas, caray.

Estoy seguro que la presión del estudio por que la película sea más amigable con la audiencia, sólo así puedo entender que un Director cómo Padilha acostumbrado a filmar violencia explícita y que sus películas de ‘Elite Squad’ hayan sido clasificadas cómo R en Estados Unidos, entonces es que me queda claro que la nueva versión de ‘Robocop’ haya salido al mercado cómo una película de clasificación PG-13. Creo que es momento de agradecer a la industria fílmica complaciente que nos trajo bodrios cómo la saga de ‘Twilight’ y convirtió a las audiencias en sujetos hipersensibles a cualquier propuesta que transgreda el «buen gusto».

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Uno de los principales enemigos de esta nueva versión de ‘Robocop’, es el casting: tiene a demasiadas estrellas y actores de renombre, aunado a que los nuevos personajes no están bien definidos y un guión que contiene demasiado diálogo que sale sobrando; los malos sólo lo son en el papel y se la pasan diciendo todo el tiempo lo rudos que son en lugar de demostrarlo en pantalla. Michael Keaton, Samuel L. Jackson, Gary Oldman y Jackie Earle Haley opacan el poco o nulo esfuerzo y carácter que Joel Kinnaman intenta imprimirle al personaje de Alex Murphy; Abbie Cornish es la esposa llorona que viene a complicar todo, al querer recuperar a toda costa lo que perdió al firmar el consentimiento para transformar a su marido en una máquina. Convirtieron a ‘Robocop’ en una telenovela, y de las malas.

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El más grande error de José Padilha es querer mostrar el lado humano de una máquina de una manera forzada y poco creible, justificando en cada escena los motivos por los cuales su versión no es cómo la de Verhoeven. Padilha intenta con el uso de frases o one-liners de la película original, recordarnos a manera de homenaje lo buena que fue la versión de Verhoeven. Con lo anterior, el Director brasileño en lugar de edificar algo nuevo y con ímpetu propios, no hace más que dispararse en su propio pie.

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La película tiene aciertos, hay que reconocerlo porque sería injusto no hacerlo:

  • El nuevo traje tiene una razón de ser, recordemos que la forma da la pauta para la función, ahora podemos ver a un Robocop más ágil que puede hasta correr y saltar ciertas distancias.
  • El diseño del ED-209 totalmente reinventado.
  • Hay una secuencia que es de mis favoritas, en la que nos muestran los órganos a los cuales queda reducido Alex Murphy.
  • La película queda abierta para ofrecernos secuelas que esperemos eleven el nivel de la franquicia, si es que consideramos a esta versión de ‘Robocop’ cómo el primer acto de algo más grande por venir.

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Sin embargo, ambas versiones del personaje tienen que lidiar con un tema universal, aunque por medio de acercamientos distintos: ¿qué nos hace humanos? ¿Cómo se va reduciendo nuestra percepción del mundo al perder miembros y órganos enteros? ¿Seguimos siendo los mismos aún y cuando nuestra piel ha sido reemplazada por una dura capa de metales y materiales compuestos? ¿Acaso el libre albedrío es sólo una ilusión? ¿Somos esclavos de nuestro cerebro y de la manera en la cual procesa la información de nuestros sentidos? ¿Podremos engañar a la muerte al duplicar la mente (el cúmulo de nuestros recuerdos y experiencias) al transferirlos hacia una máquina? Estas y muchas más son las interrogantes a las que se puede llegar con ‘Robocop’.

Joel Kinnaman;Gary Oldman

El trabajo arduo y apasionado detrás de un proyecto es invisible, es decir, no es posible encontrar nada fuera de lugar y todo fluye sin parecer forzado, es la sinergia perfecta de todos los elementos haciendo cada quien la parte que les corresponde; yo no vi nada de esto con la nueva versión de ‘Robocop’. Si Paul Verhoeven nos entregó a un Jesucristo resucitado y vengativo, José Padilha no hizo más que reducirlo a un Ned Flanders políticamente correcto con partes intercambiables.

@filmc3ption

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‘Gravity’ (2013)

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“How dare you open a space man’s helmet
on an uncharted planet? My eyeballs could
have been sucked from their sockets!
[closes his helmet]
Buzz Lightyear, Disney’s ‘Toy Story’

 

“Sometimes you have to kind of die inside in
order to rise from your own ashes and
believe in yourself and love yourself to
become a new person.”
Gerard Way

 

“I have total recall.
I remember being born.
I remember being in the womb,
I remember being inside.
Coming out was great.”
Ray Bradbury

 

En esta ocasión, nos alejaremos del formato establecido con el cual iríamos desmenuzando por partes las cuestiones meramente técnicas y artísticas que Alfonso Cuarón y su equipo emplearon para crear ‘Gravity’, así que a partir de este momento empezaré a usar la primera persona para poder transmitirles mi experiencia con esta película que sin lugar a duda se convertirá en un parteaguas, y estoy seguro inspirará a toda una nueva generación de cineastas jóvenes a transgredir los paradigmas e innovar en el séptimo arte.

Mi fascinación por el espacio ha sido desde muy temprana edad una constante en mi vida, mis primeros recuerdos de una visita al cine son precisamente de ‘Alien’, que según recuentos de mi señora madre me tuvieron que meter de contrabando porque apenas rondaba por los 4 años de edad y sin embargo dicen que me porté muy bien ya que no grité ni hice los desfiguros propios de un crío aburrido y/o aterrado. Muchos años después cuando salió la primera versión en formato Beta, fue que pude ver “nuevamente” esa obra maestra de Ridley Scott y para sorpresa de mi madre, a quien le iba diciendo cómo se iba desenvolviendo cada escena y que iba a pasar en las secuencias siguientes, quedó asombrada porque no creía que en algún lugar de mi inconsciente hubieran quedado guardados tales detalles y a la edad en la cual fueron adquiridos.

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¿Hacia dónde voy con esto? Todos tenemos nuestro feedback, pedazos de información que conforman el cúmulo de nuestros recuerdos, las cosas que nos gustan, sonidos, olores, texturas; todos vibramos, la diferencia es que lo hacemos a diferentes frecuencias, con distintos estímulos. Que algo me guste no es sinónimo que será lo mismo que haga vibrar a mi vecino. Y por vibrar me refiero a lo que te toca hondo en el alma, lo que hace resurgir una emoción en particular. ‘Gravity’ de Alfonso Cuarón hizo que resonaran al únisono ‘2001: A Space Odyssey’ de Kubrick; relatos de Bradbury, Clarke y Asimov; ‘Buried’ de Rodrigo Cortés; ‘Jurassic Park’ de Steven Spielberg y ‘Solyaris’ de Tarkovsky (aquí es donde mi amigo y colega @CherchTheIrish me va a empezar a cobrar regalías por su post sobre ‘Gravity’)

“La historia de la cinta, que es básicamente la representación de un breve instante, se atiene siempre a lo esencial, a lo minimalista. No existen momentos de profundos razonamientos filosóficos ante la posibilidad del peligro, el espacio o la muerte, prefiriendo Cuarón, en lo que personalmente considero un gran acierto, aquellos diálogos instintivos y hasta cierto punto cursis, que cualquier persona tendría en un momento así…”

‘Gravity’ es impecable en todos sus componentes: fotografía, dirección de arte, sonido, efectos especiales, conversión a 3D, quizás el guión (que contiene los diálogos y la historia en sí) no es perfecto, hay que tomar ciertas consideraciones para lograr admirar esta obra maestra de Cuarón en todo su esplendor.

  • Las reglas son claras desde el inicio de la película, en el cual nos brindan un breve recordatorio de las condiciones en las cuales se desarrollará la historia

“At 372 miles above the Earth there is nothing to carry sound, no air pressure, no oxygen. Life in space is impossible.”

  • En los primeros 15 minutos ya sabemos que el personaje de Sandra Bullock es la típica novata cobarde que va a sobrevivir, y el personaje de George Clooney es el experimentado astronauta que se va a tener que sacrificar, no conozco a ningún judío polaco de apellido Kowalski que haya engañado a La Parca.
GRAVITY

Bullock y Clooney

  • ‘Gravity’ es una fábula contada en el espacio, la premisa es sencilla: no importa todo lo malo que pueda salir mal, el espíritu de lucha humano lo puede todo. Y la mayoría de las fábulas tiene un final feliz, a menos que seas el protagonista de alguno de los cuentos de Hans Christian Andersen. La tagline de la película es clara: “Don’t Let Go”.
  • No es un documental, sin embargo se agradece el nivel de realismo extremo, aunque se hayan tomado varias libertades y roto leyes de la física en el proceso de contar la historia, pero ninguna película es perfecta. O cómo Garrett Reisman (quien fuera astronauta de la NASA) escribiera en Quora:

“Yes, I could go on and on about all the things Gravity got wrong. If you put me in a Chinese spaceship, there is no way I would be able to figure out how to fly it home. An astronaut that took joy rides around the Hubble Telescope with a jet pack shouldn’t even bother coming home. And a debris field in low earth orbit would never take out geostationary communication satellites.

But who cares?

All of these inaccuracies were done to help advance the plot or to add drama to the film which is exactly the artistic license we should be willing to grant the filmmakers. This is entertainment, not a documentary…”

Sí aún están con la idea de ver un documental sobre el espacio, les recomiendo ´Destiny In Space’ de 1994, yo tuve oportunidad de verlo en una pantalla IMAX tipo domo y la experiencia fue en verdad abrumadora. Pero ‘Gravity’ no es un documental, que quede bien claro.

La conversión a 3D es la mejor balanceada que he visto, porque no abruma al espectador, sino que es un elemento más de los que emplea Cuarón para contar su historia, la profundidad que proporciona el formato en tercera dimensión, ayuda a envolvernos y a ponernos dentro del traje de la astronauta en los momentos en los cuales el punto de vista así lo requiere.

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La película tiene momentos muy poderosos, mismos que están desprovistos de diálogo y son narrados únicamente por las imágenes que Lubezki logra regalarnos a través de su lente: el primer momento, en el cual el personaje de Sandra Bullock se deshace de su traje de astronauta después de ingresar a la Estación Espacial Internacional y flotar en posición fetal gracias a la ingravidez; y el segundo, al final de la película que nos muestra cómo lucha el mismo personaje contra la gravedad para lograr incorporarse sobre la arena, después de haberse salvado.

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Y la mejor one liner es del personaje de George Clooney:

“Half of North America just lost their Facebook.”

Quien se lleva las palmas es Ed Harris, quien hace un trabajo de voice over simplemente fenomenal desde el Mission Control, quien me transmitió más emoción que Clooney y Bullock juntos. Recordemos que Harris hizo el papel de Gene Cranz en ‘Apollo 13’ de Ron Howard, y también el de John Glenn en ‘The Right Stuff’ de Philip Kaufman.

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Gene Cranz

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Ed Harris cómo Gene Cranz

Aquí es cuando me voy a permitir exponer los aspectos que no me gustaron de la película, los cuales son muy personales y están dictados por mi feedback:

Sí me queda claro que el enfoque y tratamiento ligeros que Cuarón imprimió en su historia, pero definitivamente ni Bullock ni Clooney me convencieron, la primera por falta de emotividad y el segundo por ser demasiado cool. Estás atrapado, tu vida está en juego y los ojos no me dicen nada, no me transmiten una emoción convincente de que estás jugándote el todo por todo, no te veo aferrándote a la vida con uñas y dientes, mientras luchas y le gritas a la Muerte: ¿¡ES TODO LO QUE TIENES, PERRA!?, para luego escupirle en la cara y aceptar que todo está perdido. Yo no lo vi con Bullock; quizás una actriz con mayor experiencia en este tipo de roles, cómo Naomi Watts o Laura Linney. Hasta pudieras pensar en una Jessica Chastain cómo mencionara @andrew_east

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El final en sí, en lo personal estoy acostumbrado a las historias con desenlaces más abiertos y/o que impliquen un sacrificio del personaje principal (no necesariamente ofrendando su propia vida), a la pura usanza de John Carpenter; no el final de princesas al estilo Disney, uno en el cual todos ríen y se abrazan al final y bailan alrededor de una fogata. No, gracias. Ya tenemos suficiente con ‘Star Wars’.

Cuando has abandonado toda esperanza, no te queda más que resignarte en paz o llorar y lamentarte por todo lo que dejaste de hacer en vida, la película aunque se trata de la inevitabilidad, estar muerto en vida después de perder a una hija en un accidente estúpido y sin sentido aparente, el aceptar que ya hiciste todo lo posible por salvarte pero te das cuenta de que te encuentras en un callejón sin salida y resuelves irte de la manera más pacífica posible, y de repente en una revelación decides que no todo está perdido y no vas a abandonar este plano existencial sin antes dar un último esfuerzo, y que tu renacimiento no será fácil y tu muerte tiene la posibilidad de convertirse en una salida más espectacular y dramática, para al final surgir de entre el fuego y el agua para decirle al mundo de que todavía no es tiempo de partir y que tu encuentro con tus seres queridos quienes se te adelantaron, sólo ha sido aplazado. Es el momento de adoptar la idea de estar vivo un día más y agradecer al karma por ello. Fin de la fábula.

Y no, no odio a Cuarón, es de los pocos afortunados que ha podido desmenuzar algunas técnicas del estilo del maestro Stanley Kubrick y eso ya es un gran logro por méritos propios; tampoco terminé odiando ‘Gravity’, coincido con quienes consideran que es un tercer acto continuo que dura 90 minutos, uno de ellos es @bernserker

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y recalco, no es una mala película, simplemente no me gustó el final. Sin embargo si tuviera que elegir mi cinta favorita de Alfonso Cuarón, definitivamente me quedaría con ‘Harry Potter & The Prisoner of Azkaban’. Y háganle cómo quieran, es mi feedback.

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@filmc3ption

‘Star Trek Into Darkness’ (2013)

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“Of course! We are one big, happy fleet! Ah, Kirk, my old
friend, 
do you know the Klingon proverb that tells
us revenge 
is a dish that is best served cold? 
[pause
It is very cold in space!”
Khan, ‘Star Trek II: The Wrath of Khan’ (1982)

“He who is overly attached to his family members experiences
fear and sorrow, for the root of all grief is attachment.
Thus one should discard attachment to be happy.
Chanakya

 

Me atreví a postergar esta publicación para no arruinarles a los espectadores la experiencia de ‘Star Trek Into Darkness’ por la cantidad de posibles spoilers a los cuales es inevitable recurrir para revisitar y comentar el trabajo de J.J. Abrams en la aventura fílmica número 12 de la franquicia de ‘Star Trek’. Para el lector común que no quiere complicarse la vida, puede pasar sin mayores preámbulos a la sección puramente crítica de este post.

Abramsverse

El Abramsverse no es una línea de tiempo alternativa per se, sino que es totalmente paralela a lo que conocemos cómo parte del canon original, realidad que se conoce cómo Prime y a la cual pertenecen Spock Prime, Nero, la Narada y la tecnología detrás de la Red Matter (ver ‘Star Trek’ [2009]); el universo Prime es todo la continuidad (complicada y extensa, por cierto) que hemos conocido a través de 47 años de existencia de la franquicia y cuyas historias nos han llegado a través de distintas series, novelas, cómics y películas de ‘Star Trek’.

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El Abramsverse es un clean slate en el cual se parte desde cero y por tal motivo, los personajes, sucesos y hasta los tiempos han sido alterados prácticamente sin las restricciones del universo Prime, salvo por algunos planteamientos demasiado rebuscados por los Trekkers más conservadores y enemigos del Abramsverse; su equivalente cercano serían los títulos de Marvel conocidos como ‘Ultimate’ y que están totalmente desligados de las historias clásicas, ofreciendo mundos paralelos en donde los superhéroes han sido reinventados para acercarse a las audiencias más jóvenes, respetando la esencia de las ideas originales pero con un twist que los hace diferentes y modernizados a la vez.

El Abramsverse es transmedia, las novelas y los cómics son parte indispensable en el rompecabezas de este universo paralelo, las películas se complementan y enriquecen de gran manera al recurrir a las historias que dejaron de ser contadas a través de los filmes, pero que forman parte integral de la nueva realidad. La gran mayoría de las interrogantes naturales originadas por ‘Star Trek’ (2009) y ‘Star Trek Into Darkness’ (2013) han sido abordadas y las nuevas serán respondidas a través de los cómics y novelas pertenecientes al Abramsverse, mismos que serán el preámbulo para una tercera y última película de este reboot. El arquitecto de este ambicioso proyecto es sin duda Roberto Orci, quien a través de su cuenta en Twitter ha declarado al respecto sin dar muchos detalles.

SPOILER ALERT – SPOILER ALERT – SPOILER ALERT – SPOILER ALERT – SPOILER ALERT

Universo Prime

Sin lugar a duda uno de los elementos que desbalancea y a la vez proporciona cohesión a la continuidad en el Universo Prime, es Khan Noonien Singh. Aunque el personaje fue presentado en el capítulo ‘Space Seed’ de la serie original de ‘Star Trek’ en los años 60s y fue hasta 1982 que resurgió con la película de ‘Star Trek II: The Wrath of Khan’. Las lecturas básicas para entender todas las lagunas de tiempo antes y después, tanto de ‘Space Seed’ cómo de ‘ST2:TWOK’ las podrán encontrar en las novelas ‘The Rise and Fall of Khan Noonien Singh’ (Volúmenes 1 y 2) y ‘To Reign in Hell: The Exile of Khan Noonien Singh’, así cómo el capítulo ‘Assignment Earth’ de ‘Star Trek The Original Series’. Cualquier otra incursión los desviaría de Khan pero los conectaría directamente con la continuidad del Universo Prime, a través de personajes y acontecimientos de las demás integrantes de la franquicia (‘The Next Generation’, ‘Deep Space Nine’, ‘Voyager’ y ‘Enterprise’), con sus respectivas historias contenidas a su vez en una gran colección de novelas, relatos cortos y cómics que exploran y expanden los capítulos de todas las series televisivas y películas. Todo y todos están interconectados.

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Khan Noonien Singh es uno de los personajes más elaborados del Universo Prime, víctima de su propia naturaleza cómo ser humano diseñado genéticamente con capacidades físicas e intelectuales superiores, mismas que lo convierten en un rival difícil de doblegar y vencer. Para conocer más acerca de este personaje, pueden visitar este link que resume perfectamente su biografía:

http://en.memory-alpha.org/wiki/Khan_Noonien_Singh

‘Star Trek Into Darkness’ (2013)

Siguiendo los acontecimientos del cómic ‘Star Trek: Countdown to Darkness’ y complementándose a su vez con la serie regular ‘Star Trek: Ongoing’, todos de la editorial IDW Publishing, J.J. Abrams nos regala un viaje vertiginoso a bordo de la USS Enterprise, mismo que no está libre de sobresaltos y cambios repentinos en la intensidad y tono de la narrativa. Antes de continuar, hay que dejar en claro que ‘Star Trek Into Darkness’ es una película de fan service, es decir que está repleta de referencias tanto propias del Abramsverse cómo clásicas del canon original. Es un filme hecho por fans pensando en los fans, pero que también funciona de manera casi perfecta cómo una obra aislada y disfrutable por el espectador común y corriente. Sin embargo, es una película dirigida hacia la audiencia puramente Trekker.

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El diseño de producción de Scott Chambliss es muy bueno, todo lo que se ve en pantalla funciona a nivel estético cómo funcional, partiendo del hecho que en el Abramsverse todo es más brillante, grande, estilizado y de mayor refinamiento tecnológico que su equivalente temporal en el Universo Prime. Las naves, el vestuario, los gadgets, las pantallas, las armas y los sets están diseñados para que la experiencia sea totalmente creíble, nada está fuera de lugar gracias al nivel de perfeccionamiento en los detalles. El contraste entre la USS Enterprise y la USS Vengeance es brutal y ofrece un refuerzo visual adicional al concepto de desigualdad entre el universo de Abrams y el Prime gracias a dicha perspectiva. Chambliss ha trabajado casi exclusivamente con Abrams y el buen entendimiento que tienen ha rendido frutos en todas sus colaboraciones.

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La cinefotografía de Daniel Mindel es medianamente buena, sabe manejar el encuadre panorámico en las tomas abiertas pero se pierde al ir acercando la lente en las tomas más cerradas, cuando la cámara está (o debe estar) quieta en escenas de diálogo entre dos personajes pierde la técnica e intenta fijar la atención en otro punto del cuadro o simplemente su composición deja mucho espacio muerto y estéril que no aporta nada. La iluminación de las tomas es muy buena, si tan solo quitara todas las fuentes de luz que luego se transformarán en un lens flare para gusto de Abrams. Mantener iluminado el interior de la Enterprise y manejar la obscuridad en la Vengeance, viene a sumar a la perspectiva de contraste entre una y otra nave espacial. Cuando menos 30 minutos fueron filmados en formato IMAX y recurrieron a la técnica de conversión para llevarla al 3D, cuyo resultado en pantalla pasa desapercibido por completo y desperdicia las bondades de dicho formato. Mindel termina sacrificando estética y técnica en favor de un entorno más fluido pero caótico.

A partir de este momento empiezan los spoilers masivos, de otra manera no se puede analizar la película cómo es debido. Han quedado advertidos.

SPOILER ALERT – SPOILER ALERT – SPOILER ALERT – SPOILER ALERT – SPOILER ALERT

El score de Michael Giacchino se quedó muy corto, recurre básicamente a los mismos temas que empleó en ‘Star Trek’ (2009), a variaciones de los mismos que terminó extendiendo y modificando para adaptarlos en ‘Star Trek Into Darkness’, mismos que funcionan medianamente bien en el momento en el que tienen que hacerlo. En comparación con la marcialidad que James Horner empleó en ‘Star Trek II: The Wrath of Khan’ (1982), Giacchino no encontró el punto de partida para darle forma a su partitura, ni el tema que emplea cuando aparecen los Klingon se acerca a lo que Jerry Goldsmith instituyó con el score de ‘Star Trek: The Motion Picture’ (1979) para el mismo fin. Giacchino tuvo la oportunidad de hacer algo realmente memorable y la desperdició en grande.

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Es inevitable llegar al punto de las comparaciones, la decisión de Abrams en convertir a ‘Star Trek Into Darkness’ en la precuela (a nivel conceptual) de ‘Star Trek II: The Wrath of Khan’ no creo que haya sido la más acertada en el largo plazo. Es cierto que hay diferencias entre un universo y otro, de las cuales no todas han sido un acierto en esta nueva versión, mis observaciones principales están centradas en los personajes y la historia, atribuibles al casting  original y screenplay respectivamente.

Zachary Quinto en el papel de Spock es excelente, aún y con el ritmo imparable de su discurso tecnológico y frío, hace una gran interpretación del personaje al respetar su esencia. El Spock del Abramsverse tiene que lidiar con sus emociones y conflictos de una manera más abierta y explosiva que el Spock original de Leonard Nimoy, más taimado y calculador que su equivalente reinventado por Quinto. El trabajo actoral de Karl Urban cómo el Dr. Leonard ‘Bones’ McCoy es sublime, reproduce cada gesto, entonación, postura y demás elementos del lenguaje corporal que DeForest Kelley imprimió en el ‘Bones’ original, no hay mejor homenaje al Médico areofóbico y cascarrabias que la interpretación de Urban. El acercamiento de Simon Pegg hacia Montgomery ‘Scotty’ Scott es bueno, sólo que le transfiere demasiado de su personalidad al personaje, aunque es aplaudible el talento de Pegg al igualar el acento escocés que James Doohan estampó en el ‘Scotty’ del Universo Prime; cómo dato para trivia, Doohan era canadiense y Pegg es inglés. Zoe Saldana tiene el camino libre para darle forma al personaje de Nyota Uhura, quien prácticamente era un mueble en el Universo Prime y en esta nueva versión ha sido empoderada y revitalizada, al contrario de lo que le tocó interpretar a Nichelle Nichols en su momento. John Cho cómo Hikaru Sulu y Anton Yelchin cómo Pavel Chekov, sin pena ni gloria, aunque dichos personajes interpretados originalmente por George Takei y Walter Koenig cumplían con funciones demasiado específicas y mecánicas dentro del canon original. De Bruce Greenwood cómo el Almirante Christopher Pike, Alice Eve cómo la Dra. Carol Marcus y Peter Weller cómo el Almirante Alexander Marcus, no hay mucho o nada de referente en el Universo Prime, así que los actores aportaron su mejor esfuerzo para darle vida a los personajes, pero nada memorable.

Star Trek Into Darkness - UK Film Premiere

Chris Pine pretende ser James Tiberius Kirk, desgraciadamente por más que se esfuerza no logra darle al personaje el enfoque ni el tono adecuados, Pine es el primer actor que no tiene una carrera teatral y/o televisiva sólida previa a la interpretación del rol de un Capitán de la franquicia de ‘Star Trek’, lo cual fue una decisión demasiado arriesgada (y equivocada) de Abrams en el casting, a Pine todavía le hacen falta muchas tablas para cubrir los requisitos dramáticos que demandan este tipo de papeles. Es inútil compararlo con el performance previo de William Shatner cómo Kirk, ambos actores están a años luz de distancia, el abismo entre el trabajo profesional de Shatner y el amateur de Pine es enorme e infranqueable.

Benedict Cumberbatch cómo Khan es fenomenal, prácticamente se roba la película y en comparación hace palidecer a los demás integrantes del reparto de ‘Star Trek Into Darkness’. Al desligarse de la interpretación de Ricardo Montalbán en el mismo papel, Cumberbatch hace una propuesta arriesgada pero convincente al apuntar alto y atinarle con precisión quirúrgica al personaje de Khan en el Abramsverse; el ejemplo de comparación más cercano está con Mads Mikkelsen quien ejecuta una excelente versión del Dr. Hannibal Lecter en la serie televisiva ‘Hannibal’, en contraposición a la de Sir Anthony Hopkins (que es inolvidable) y sirve de referencia para la interpretación de Mikkelsen. En ambos casos, Cumberbatch y Mikkelsen logran desarrollar personalidades que coexisten de manera paralela con el trabajo de sus predecesores en los mismos papeles, pero creando algo verdaderamente poderoso y original sin menoscabar la esencia misma de los personajes. Montalbán ha de estar sonriendo en algún lugar.

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El guión no es impecable, el equipo de Roberto Orci, Alex Kurtzman y Damon Lindelof logran hacer un amalgama de varios motivos clásicos del canon de ‘Star Trek’, dándole un giro interesante a dos historias clásicas cómo son ‘Space Seed’ y ‘Star Trek II: The Wrath of Khan’ junto con ideas y elementos adicionales del Universo Prime para obtener cómo resultado ‘Star Trek Into Darkness’. Hay mucha información que dan por hecho es del dominio y conocimiento del espectador, recordemos que es una película para Trekkers, sin embargo los escritores se toman muchas libertades que bajo el escrutinio de los fans más conservadores de la franquicia, no logran aprobar el filtro crítico de los mismos. Haciendo a un lado los evidentes loopholes en la lógica detrás de la motivación de los personajes y la cadena de eventos que se van entretejiendo para llegar al final, el guión funciona en favor de la historia y se traduce en el resultado en pantalla. Orci, Kurtzman y Lindelof se encargan de poner demasiada carne en el asador, complican momentos sencillos y tambien fallan en simplificar situaciones, todo es exacerbado y estirado casi al punto de ruptura. La única manera en la cual podrían justificar la participación de William Shatner en el siguiente filme del Abramsverse, sería recurriendo al método que emplearon John Brancato y Michael Ferris para incluir a Linda Hamilton en el guión de ‘Terminator Salvation’, cualquier otro intento les complicaría la existencia a los escritores y a su credibilidad.

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Sin embargo, los momentos más memorables son refritos y líneas que ya fueron empleadas, inversiones en las desgracias y destino de los personajes. ‘Star Trek Into Darkness’ es fan service, con un excelente eye candy gracias a los efectos especiales que no sufren dolencia alguna, mismos que proporcionan un banquete visual caótico pero perfectamente detallado. Todos y cada uno de los elementos que conforman la película fueron planeados con precisión militar para saltar de la pantalla al unísono, el parpadear significa perderse un elemento clave de la acción y la confusión no permite que los sentidos digieran un segmento cuando el Director nos está presentando el siguiente. El mejor truco de Abrams es la distracción y la usa en beneficio de la historia y el propio.

J.J. Abrams tiene un gran sentido de la acción cómo pocos directores en la actualidad, sabe que cosas funcionan y cuáles no, pero no es un auteur. Tiene su estilo muy particular de abordar el cine de acción, conoce las herramientas y las usa de la manera más práctica posible, pero carente de propuesta en lo visual. Abrams es un exponente más del chaos cinema en donde las tomas erráticas, los movimientos y zooms de cámara exagerados, el uso desmedido de lens flares (su sello distintivo e irritante) y una edición vertiginosa, contribuyen a crear el mundo caótico de Abrams, es el tramo de rápidos de un río en donde la velocidad es el arma secreta para ocultar lo insalvable. Pero funciona y sabe en qué momento agregar obstáculos y una catarata, para luego detenerse abruptamente y continuar de nueva cuenta con el cauce impetuoso del río, cuya travesía es predecible la mayor parte del recorrido de 133 minutos de duración.

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La idea del reboot de ‘Star Trek’ a modo de un universo paralelo no es nueva, misma que ha sido explorada en diversos capítulos de las series de la franquicia, Abrams sólo se encargó de llevarla al siguiente nivel a sabiendas que nunca habrá un equivalente televisivo con los actores del nuevo reparto. Khan es el alpha y el omega, es la llave que abre y cierra todas las puertas del Abramsverse; Khan es luz y obscuridad de la raza humana, Dios y Diablo, pecado y penitencia. El contenido subliminal que maneja Abrams con ‘Star Trek Into Darkness’ viene desde el título mismo en una sola oración de corrido sin emplear los dos puntos para diferenciar dos componentes separados, es un mensaje muy poderoso y es factor de preparación para el tercer y último acto, el cual esperamos no tarde mucho en llegar.

In memoriam:

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James Doohan (1920-2005)

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DeForest Kelley (1920-1999)

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Ricardo Montalban (1920-2009)

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Gene Roddenberry (1921-1991)

@filmc3ption